Espacio de josepdely: Música

"Musica pro justificatione animae": Mozart, Sinfonia Concertante.

Wed, 05 Dec 2007 05:18:37 GMT

Sinfonía Concertante en Mi bemol mayor para violín y viola K 364, 2° Movimento, Andante (W.A. MOZART). Int.:

Solistas del Conservatorio de Moscú, Maxim Vengerov (violín) y Yuri Bashmet (viola).

Otro día me detendré más a fondo en esta música. Hoy sólo corresponde escucharla infinitas veces para sentirse justificado.

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Cada revelación es dolorosa, interrumpe un flujo para dar paso a otro que tal vez sea una línea de fuga, la amenaza a una estabilidad periclitada. Así es como todo acto revelatorio tiene algo de apocalíptico. Del mismo modo, se rompe la clausura de la indiferencia espacio-temporal, en que cualquier momento del espacio y del tiempo es como cualquier otro, no repetibles pero con su misma significatividad circular o su ausencia de significado necesario. Acto lingüístico donde la palabra es performativa, acontecimiento.

Sibelius: Música pro justificatione animae

Fri, 12 Oct 2007 04:46:08 GMT

SIBELIUS: Sinfonía n. 5 en mi bemol mayor, III mov. Allegro Molto. Swedish Radio Symphony Orchestra, dir. Esa-Pekka Salonen.

Disfrutad de buena música en este puente.

"Zamba del emigrante" (I. Serrano)

Tue, 09 Oct 2007 02:49:37 GMT

Para todos aquellos que son y se sienten emigrantes.

    ZAMBA DEL EMIGRANTE

"Tengo que partir, mi corazón,

antes que yo otros se fueron.

Todos saben que las aves migratorias

siempre encuentran el camino de regreso.

No llores más, mi corazón,

que yo no busco el olvido.

Sólo busco futuro y horizonte,

el faro que orienta al náufrago perdido.

Sube el ómnibus de Zitarrosa

una mañana de domingo,

aquel que nos llevaba al cerro.

Buscarás en la ciudad dormida

el sueño que tuvimos siendo niños.

Regarás bien, mi corazón,

nuestro jardín y los recuerdos.

Y cuando pasees por el mercado

brindarás a mi salud con medio y medio.

Volveré muy pronto, mi corazón,

y sanará el barrio enfermo.

Todos saben que las aves migratorias

siempre encuentran el camino de regreso".

     (Canción con Mercedes Sosa. Letra: Rodolfo e

       Ismael Serrano. Música: I. Serrano; "Sueños

       de un hombre despierto", 2007)

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RADIOHEAD: "No surprises"

Sat, 23 Jun 2007 04:10:21 GMT

Radiohead - No Surprises

A heart that's full up like a landfill
A job that slowly kills you
Bruises that won't heal

You look so tired and unhappy
Bring down the government
They don't, they don't speak for us
I'll take a quiet life
A handshake of carbon monoxide

No alarms and no surprises
No alarms and no surprises
No alarms and no surprises
Silent, silent

This is my final fit, my final bellyache with

No alarms and no surprises
No alarms and no surprises
No alarms and no surprises please

Such a pretty house, such a pretty garden

No alarms and no surprises (let me out of here)
No alarms and no surprises (let me out of here)
No alarms and no surprises please (let me out of here)

Radiohead: OK Computer, 1997.

BELLE & SEBASTIAN: "Dress up in you" - "Slow Graffiti"

Mon, 09 Apr 2007 03:52:02 GMT

Dress Up In You

I'm the singer, I'm the singer in the band
You're the loser, I won't dismiss you out of hand
Cos you've got a beautiful face
It will take you places

You kept running
You've got money, you've got fame
Every morning I see your picture from the train
Now you're an actress!
So says your r'sum?
You're made of card
You couldn't act your way out of a paper bag

You got lucky, you ain't talking to me now
Little Miss Plucky
Pluck your eyebrows for the crowd
Get on the airplane
You give me stomach pain
I wish that you were here
We would have had a lot to talk about

We had a deal there
We nearly signed it with our blood?
An understanding
I thought that you would keep your word
I'm disappointed
I'm aggravated
It's a fault I have, I know
When things don't go my way I have to

Blow up in the face of my rivals
I swear and I rant, I make quite an arrival
The men are surprised by the language
They act so discreet, they are hypocrites so fuck them too!

I always loved you
You always had a lot of style
I'd hate to see you on the pile
Of 'nearly-made-it' s
You've got the essence, dear
If I could have a second skin
I'd probably dress up in you

You're a star now, I am fixing people's nails
I'm knitting jumpers, I'm working after hours
I've got a boyfriend, I've got a feeling that he's seeing someone else
He always had thing for you as well

Blow in the face of my rivals
I swear and I rant, I make quite an arrival
The men are surprised by the language
They act so discreet, they are hypocrites forget them
So fuck them too!

(The Life Pursuit, 2006)

Slow Graffiti

There's a portrait
In a back room,
Which I keep for days upon, which I relent
And gaze for hours on the muscle skin and bone of some
Imaginary friend.

So how about it?
Show me please how I will look in twenty years
And let me please,
Interpret history in every line and scar that's painted
There in front of me.

It doesn't matter what I'm thinking
What I tell myself to do
I'll end up calling.

I stay in to defrost the fridge
Now the kid has gone to bed
A feeling of dread.
At least when she's around the troubles there,
It's worse to wake up with her falling round the room.

Listen Johnny; you're like a mother
To the girl you've fallen for,
And you're still falling.

Listen Johnny;
You're like a mother to the girl you've fallen for,
And you're still falling,
And if they come tonight
You'll roll up tight and take whatever's coming to you next.

(Push Barman To Open Old Wounds, recop. 2005)

Karajan - Beethoven Symphony No. 4 in B Flat Major, Op. 60

Wed, 28 Feb 2007 23:49:42 GMT

La 4ª Sinfonía de Beethoven, el sordo genial de Bonn. He hallado esta impresionante versión de Karajan y a mi memoria llegan los ecos de la infancia. La primera vez que escuché esta música tendría unos ocho o nueve años, en un viejo disco de vinilo que desempolvé de las pertenencias de un tío abuelo recién fallecido. Fue una verdadera revelación para mí escuchar aquella versión de Furtwängler, creo, de finales de la II Guerra Mundial. Era la primera vez que escuchaba esa música; desde entonces me acompaña en todo momento, con ella me inicié al mundo de la música. Me sigo sintiendo profundamente fascinado cuando escucho esta sinfonía, supongo que experimenté lo mismo que muchos cuando la escucharon por vez primera sorprendidos y atrapados por el efecto de la revolución sinfónica del músico: su fuerza y energía contundentes son un motor en mi existencia insustituible, un Sturm und Drang revitalizante, un antídoto para la mediocridad y tibieza de tantos, contra la flaqueza de ánimo. Siempre nos quedarán estos remedios musicales para continuar sin desfallecer, para no perdernos en bosques y desiertos intransitables.

G. Mahler: 2ª Sinf. "Resurrección", 5º mov. 3/1-2. Leonard Bernstein

Wed, 31 Jan 2007 17:44:14 GMT

AUFERSTEHUNG
(texto de Gottlieb Klopstock y G. Mahler)
Chor, Sopran
Aufersteh’n, ja aufersteh’n wirst du,
mein Staub, nach kurzer Ruhn’!
Unsterblich Leben,
wird, der dich rief, dir geben!

Wieder aufzublühn wirst du gesät!
Der Herr der Ernte geht
und sammelt Garben
uns ein, die starben!
Alt
O glaube, mein Herz, o glaube:
Es geht dir nichts verloren!
Dein ist, ja dein, was du gesehnt!
Dein, was du geliebt, was du gestritten!
Sopran
O glaube: Du wardst nicht umsonst geboren!
Hast nicht umsonst gelebt, gelitten!
Chor
Was entstanden ist, das muβ vergehen!
Was vergangen, auferstehen!
Chor, Alt
Hör auf zu beben!
Bereite dich zu leben!
Sopran, Alt
O Schmerz! Du Alldurchdringer!
Dir bin ich entrungen!
O Tod! Du allbezeinger!
Nun bist du bezwungen !
Chor
Mit Flügeln, die ich mir errungen,
in heiβem Liebesstreben,
werd’ ich entschweben
zum Licht, zu dem kein Aug’ gedrungen!
Sterben werd’ ich, um zu leben!
Chor, Sopran, Alt
Aufersteh’n, ja auferteh’n wirst du,
mein Herz, in einem Nu!
Was du geschlagen,

zu Gott wird es dich tragen!
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Coro, Soprano

¡Resucitarás, sí, resucitarás,
polvo mío, tras breve descanso!
¡Vida inmortal
te dará quien te llamó!

¡Para volver a florecer has sido sembrado!
El dueño de la cosecha va
y recoge las gavillas,
¡a nosotros, que morimos!
Contralto
Oh, créelo, corazón mío, créelo:
¡Nada se pierde de ti!
¡Tuyo es, sí, tuyo, lo que anhelabas!
¡Lo que ha perecido resucitará!
Soprano
Oh créelo: ¡no has nacido en vano!
¡No has sufrido en vano!
Coro
¡Lo nacido debe perecer!
¡Lo que ha perecido, resucitará!
Coro, contralto
¡Cesa de temblar!
¡Disponte a vivir!
Soprano, contralto
¡Oh dolor! ¡Tú, que todo lo colmas!
¡He escapado de ti!
¡Oh muerte! ¡Tú, que todo lo doblegas!
¡Ahora has sido doblegada!
Coro
Con alas que he conquistado,
en ardiente afán de amor,
¡levantaré el vuelo
hacia la luz que no ha alcanzado ningún ojo!
¡Moriré para vivir!
Coro, soprano, contralto
¡Resucitarás, sí, resucitarás,
corazón mío, en un instante!
Lo que ha latido,
¡habrá de llevarte a dios!

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G. Mahler: 2ª Sinfonía "Resurrección", 5ªmov., 3/1-2. Abbado. Festival de Lucerna 2003

Wed, 31 Jan 2007 17:06:11 GMT

"Si yo tuviera la lengua y el cantar de Orfeo y fuera capaz de embellecer con mis canciones a la hija de Deméter o a su esposo y sacerdote del Hades, descendería allá, y ni el perro de Plutón, ni el conductor de almas Caronte con su remo lograrían detenerme en rescatar tu vida y traerte de nuevo a la luz".

(Eurípides, Alcestis, vv. 357-362)

Aún resonaba en sus oídos aquel acorde de Mi bemol mayor, apoyado por la grandiosa sonoridad del órgano, en la culminación del quinto movimiento: "Aufesteh'n, ja aufersteh'n" mientras sus pasos se enlentecían y su cuerpo se encorbaba ligeramente por la dolorosa pesantía convaleciente en que había consistido su existencia, tiempo voraz de cenizas de vuelos y balances conclusivos. Junto a la Wasserturm del Kapelburcke sobre el río Reuss que cruza Lucerna, el fantasma de su melancolía, convertida en belleza ingrávida, atravesaba el fluir del agua aquel 20 de agosto de 2003, aquel anochecer desprovisto de aullidos precarios y conspiraciones cerebrales. "O glaube, mein Herz, o glaube: / Es geht dir nicht verloren! / Dein ist, ja dein, was du gesehnt!", repite la contralto Anna Larsson en tanto todo parecía concentrarse durante aquel instante, el mismo en que Alcestis, con su muda lejanía, iba a ser rescatada de la muerte y Admeto, sostenido por una emoción sorprendente, extraña e inolvidable, traspasara la velada materia de su destino: "¡no has nacido en vano!" ("Du wardst nicht umsonst geboren!").

"El tiempo te ha hecho voluble, voraz, inconsistente, 'O Röschen rot'!" -era su grito de protesta; la voz del escéptico dejaba oír su lamento al pájaro de la muerte interpretado por la flauta que precede al silencio expectante tras el cual el coro, en un pianissimo infinito, inicia su sección doucement, "le mots se sufissent à eux-mêmes" ("wozu die Worte selbst Kommentar sind"). ¿Cuánto tiempo hacía que los enemigos invisibles asediaban su ciudad, una ciudad de palabras transformadas paulatinamente en remotas ruinas?

En la progresiva oscuridad del día aquel hombre reemprende su camino, nadie sabe hacia qué ocaso de imprecisos límites; por segunda vez experimenta el movimiento de retorno que se realiza en la nostalgia de lo que ha de ocurrir, tras el retrato fugitivo de la melancolía y su armonía sotto voce: "Hör auf zu beben! / Bereite dich zu leben!" ("¡Cesa de temblar! / ¡Disponte a vivir!").

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En agosto de 1938 Arturo Toscanini dirige el primer concierto de gala del Festival de verano de Lucerna, en el parque de Tribschen, para una audiencia de unas mil quinientas personas; la orquesta recién fundada –la Schweizerisches Festspielorchester, orquesta propia del Festival de Lucerna hasta la disolución de la misma en 1993- estaba compuesta por miembros del Busch Quartet (el mejor cuarteto de cuerdas entonces en Suiza), músicos de la Suisse Romande (dirigida por Ernest Ansermet), violinistas como Stefi Geyer y celistas tales como August Wenzinger; el concierto será retransmitido por la NBC; dos días más tarde se repite en la Kunthaus de la ciudad; directores de la talla de Fritz Busch, Bruno Walter y Willem Mengelberg, con sus respectivas orquestas, completarían el reparto de aquel primer festival. Años más tarde, a comienzos de los ’50, Theodor Reik publicaría su Melodía encantada (traducido en español con el título Variaciones psicoanalíticas sobre un tema de Mahler). Dos hechos aparentemente no conectados entre sí por ningún motivo (Reik, en 1938, estoy seguro de que no pudo asistir a tal festival, apenas se había exiliado a Nueva York obligado por la expansión y persecución nazi) confluyen en este introito, acuden a mi memoria tras escuchar la sección coral del último movimiento de la 2ª Sinfonía en Do menor “Resurrección” de Gustav Mahler en la versión que puede verse al comienzo de este “post”. Claudio Abbado, el 20 de agosto de 2003, dirige esta interpretación. ¿Por qué he elegido aquí esta grabación, a pesar de que prefiero la primera que realizó Abbado en 1976 para la Deutsche Gramophon con la Sinfónica de Chicago, o, recientemente, la grabación en noviembre de 2001 de la Orquesta del Royal Concertgebouw de Amsterdam dirigida por Ricardo Chailly en el sello DECCA? Comenzó mi melomanía en mi más tierna adolescencia: Beethoven, Schumann, Schubert, Bruckner, Brahms, Berlioz, Tchaikovsky …, cuya música era dirigida por históricos directores todavía para mí insuperables: Klemperer, Furtwängler, Ansermet, Giulini, Ormandy, McKerras, Jochum, Kubelik, Karajan, Bernstein, etc. Luego fueron llegando los compositores barrocos y clasicistas, la ópera italiana y la francesa, la ópera wagneriana, el mundo de los lieder, Rachmaninov, Grieg, Mahler, R. Strauss, Shostakovich, Schönberg, Berg, Stravinsky, Barber, Elgar y tantísimos otros. A aquellos grandes directores fueron sucediéndoles otros innumerables, junto con solistas y cantantes no menos renombrados, cientos de nombres que han ido configurando mi panorama musical, en continua expansión. Poco a poco fui comparando diferentes versiones de mi música favorita, descubriendo nuevos horizontes, nuevos autores, intérpretes, orquestas, etc.; en definitiva, un proceso inacabable e inacabado. En este proceso comencé a seguir a finales de los ‘80 con suma atención la trayectoria de Claudio Abbado como sucesor de Karajan al frente de la Berliner Philarmoniker (lo reconozco, tengo especial predilección y debilidad por las orquestas centroeuropeas, me he criado en ese clima musical). El repertorio que ha dirigido se distingue por su amplitud y variedad, abarca los autores del clasicismo y el romanticismo alemanes así como la ópera italiana o compositores del siglo XX tales como Schönberg, Alban Berg, Stockhausen, Luigi Nono, Manzoni, Ligeti, Boulez, Penderecki, entre otros. Los críticos han dicho de todo al respecto de su etapa en Berlín (1989-2002): extremista, frío, perfeccionista, efectista, genial, entre otros adjetivos. No es cuestión de pasar revista a las grabaciones de esta etapa con la Berliner Philarmoniker o la Wiener Philarmoniker (las orquestas que más ha dirigido), así como con las orquestas que él mismo fundara (además de la orquesta de la Scala de Milán, las jóvenes orquestas de la Unión Europea y la Gustav Mahler); desde 1967 publica la mayor parte de sus grabaciones en Deutsche Gramophon, más de doscientas si los cálculos no me fallan (correcto: a día de hoy, 216 grabaciones, según la página web del sello musical). No voy a relatar aquí la larga carrera musical de Abbado, me interesa fundamentalmente ahora su última versión de la 2ª Sinfonía de Mahler, en uno de los conciertos del Festival de Música de Lucerna de 2003. El salto a la fama de nuestro director tuvo lugar en 1965 con su primera actuación en el Festival de Salzburgo con la Filarmónica de Viena bajo el padrinazgo de Karajan: un Abbado pletórico y técnicamente perfecto dirigiendo esta sinfonía de Mahler, que grabó en 1976 y 1992 con la Sinfónica de Chicago y el conjunto vienés respectivamente. ¿Por qué he elegido, pues, esta versión de Lucerna –repito la pregunta formulada antes-? A nadie se le oculta la enfermedad que le fue diagnosticada en el 2000 (un cáncer de estómago, no entraré en detalles) y el cambio que ha tenido lugar en su vida musical, baste decir que él mismo declara que la música le ha salvado –medicina aparte-. Por tanto, podríamos aventurar que esta grabación viene a ser como una doble resurrección musical: por una parte, la resurrección de una orquesta, la del Festival de Lucerna, tras su disolución en 1993; por otra, la del propio director, que en estos últimos años está dosificando su actividad, casi reducida a Lucerna, a sus giras operísticas por el centro de Italia y a su labor educativa con jóvenes orquestas hispanoamericanas y europeas.

El actual Festival de Música de Lucerna nació a finales de la década de los ’30 como una manera de contrarrestar la influencia nazi en los festivales de Salzburgo y Bayreuth; alrededor de las figuras de Ansermet (que buscaba una actividad de verano para la Suisse Romande), Adolf Busch y Walter Schulthess -ambos directores de la Sociedad de Conciertos de Zurich- se comenzó a formar una orquesta de élite que diera continuidad a la actividad musical de la Sociedad del Festival de la ciudad. Así fue como en julio de 1938, con el concierto de gala dirigido por Toscanini, puede decirse que se inauguró oficialmente el festival de verano. A excepción de 1940, año en que fue cancelado debido a la guerra, cada verano el mundo musical tiene una cita ineludible en Lucerna (desde finales de los ’80 se han ido afianzando también los festivales de pascua, en primavera, y de piano, en otoño) en torno a un núcleo temático vertebrador. Por él han pasado directores tales como Ansermet, Furtwängler, Walter, Kubelik, Fricsay, Hubermann, Karajan, Baumgartner, Haitink, Boulez, Chailly, Barenboim, Rattle, Salonen …; orquestas de la talla de la Suisse Romande, la Berliner y Wiener Philharmoniker, la Staatskapelle Dresden, la Concertgebouw, la Bayerische Rundfunk, la Philharmonia Orchestra of London, la London Symphony Orchestra, New York Philharmonia, el Metropolitan, la Cleveland Orchestra, etc., etc.; un larguísimo historial de intérpretes que abarca desde Dino Lipatti, Edwin Fischer, Marcel Dupré, Casals, Artur Grumiaux, Brendel hasta Borodina o Maurizio Pollini; en definitiva, las grandes figuras del panorama musical se han dado cita en el festival a lo largo de su ya amplia andadura. Una financiación privada superior a catorce millones de euros, un centro cultural y de conciertos de vanguardia (el Kultur und Kongresszentrum Luzern, obra de Jean Nouvel inagurada en 1998), la brillante dirección artística y ejecutiva de Michael Haefliger (hijo del tenor Ernst Haefliger), la contribución a la música contemporánea con la Academia del Fetival dirigida por Pierre Boulez y la apertura a otras culturas musicales suponen un acicate insoslayable para ahorrar algo de dinero –no es precisamente barato, aviso a navegantes- y plantearse alguna vez unas vacaciones veraniegas en Lucerna. Ya tengo comprometido un viaje a Grecia durante las tres primeras semanas de agosto de este año, pero el próximo, si nada lo impide, me lo plantearé seriamente. Si alguien se une es bienvenido.

Este verano se cumple el quinto aniversario de la refundación de la orquesta del festival de Lucerna, un proyecto anhelado por Abbado que pudo llevarse a cabo, al fin, con éxito a partir del 2002 y uno de cuyos primeros conciertos fue aquel en que se interpretó la 2ª Sinfonía de Mahler. En el coro el Orfeón Donostiarra, excelente; la soprano Eteri Gvazava y la contralto Anna Larsson y, en la orquesta, instrumentistas de gran talla de la Mahler Chamber Orchestra, la Berliner y Wiener Philharmoniker, la Filarmónica de Munich, la Gewandhaus de Leipzig y la Orquesta del Mayo Florentino, entre otras formaciones, así como los cuartetos Hagen y Alban Berg o solistas de reconocido prestigio (Kolja Blacher y Renaud Capuçon al violín, el viola Wolfram Christ, los cellistas Natalia Gutman y Gautier Capuçon, Alois Posch al contrabajo, el flautista Emmanuel Pahud, Sabine Meyer al clarinete, Myron Bloom o Manfred Klier como trompas, el español Martín Baeza como trompetista de la Filarmónica de Berlín, etc., etc.). No es fácil sustraerse a la experiencia radical de la finitud de la existencia en determinadas circunstancias, algo se transforma quizá con la misma radicalidad. Probablemente algo de esto pueda vislumbrarse en el concierto citado: una orquesta formada ad hoc en torno a un gran director por músicos pertenecientes a otros conjuntos y en el contexto de un festival permite empezar de nuevo desde cero, ser moldeada sin visiones previas ya fijadas; todo ello proporciona una coherencia de conjunto que no se pierde en matices, de un carácter directo, casi de presencia física. A pesar de que, a mi parecer, los tempi de esta versión son a veces demasiado rápidos, el nervio impreso a la obra la convierte en una interpretación atractiva y sugerente, no muy ortodoxa pero esencial, de alto nivel (no está a la altura de Kemplerer, Neumann, Walter, Horenstein, Mitropoulos…, quién puede estarlo), más interesante que las de Solti, Rattle, Tennstedt o Sinopoli, con todos mis respetos. Olvídese todo lo escrito y, simplemente, sumérganse en la partitura y la interpretación de una obra memorable, Mahler en estado puro, quintaesenciado.

[…]

Creo que, entre tantos nombres y datos, me he apartado del objetivo inicial de esta incursión en la obra de Mahler, ni siquiera he mencionado el motivo personal que la impulsó (en plena crisis melancólica, hace meses me desperté en el final de un sueño en que se mezclaban abigarradamente los finales de la segunda y tercera sinfonías del compositor; desde entonces trato de indagar pacientemente sobre la cuestión). Compensaré tal desvío en el siguiente “post”.

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N.B.: Este próximo verano el Festival de Lucerna, del 10 de agosto al 16 de septiembre, tendrá como tema principal de sus programaciones los “Orígenes”. El concierto de gala que dará inicio a este período consistirá en la interpretación de la 9ª Sinfonía de Beethoven, con Abbado dirigiendo la orquesta del Festival. Más tarde, de nuevo Mahler, como cada año: esta vez la tercera sinfonía (ya daré noticia del acontecimiento). Peter Eötvös será el compositor residente (la Lucerne Festival Academy, dirigida por Pierre Boulez, estrenará una de sus obras, además de otras de Liza Lim y Fritz Hauser); por tanto, un apartado especial dedicado a la música húngara y sus raíces populares, con obras de Bela Bartok, Sandor Veress y György Kurtag, además del ya citado Eötvös. El verano pasado murió György Ligeti, se le rendirá tributo en la programación. En la sección otras músicas y culturas, Yo-Yo Ma y su Silk Road Project. Los “artistes étoiles” serán Pierre Laurent Aimard y el director Jonathan Nott y su Bamberg Symphony. Vuelven al festival Renée Fleming, Anna Larsson, Matthias Goerne, Evgeni Kissin, Hartmut Höll y el Ensemble Intercontemporain, entre otros asiduos. Acudirán también Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín, Barenboim con la de Viena y su West-Eastern Divan Orchestra, Zubin Mehta y la Filarmónica de Israel, Yuri Temirkanov con la de San Petersburgo (últimamente una orquesta revelación), Haitink y el Concergebouw, Chailly con la Leipzig Gewandhaus, Tilson-Thomas dirigiendo la San Francisco Symphony, Philippe Jordan y nuestra querida Mahler Chamber Orchestra, Heinz Holliger junto con Jiri Belohlavek y la Chamber Orchestra of Europe, Maris Jansons a la batuta de la Symphonieorchester des Bayerischen Runfunks, James Levine con la Boston Symphony y Colin Davis, cómo no, y su London Symphony Orchestra. Finalmente, Walter Nussbaum al frente de la Schola Heidelberg y el Jack Quartet, por citar algunos destacados conjuntos, completan esta somera lista. Finalmente, en cuanto a los compositores, los aficionados podrán disfrutar de la música de Carlo Gesualdo da Venosa, Thomas Tallis, J.S. Bach, Mozart, Haydn, Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelsohn, Brahms, Wagner, Berlioz, Tchaikovsky, Bruckner, R. Strauss, Webern, Dvorak, Mahler, Shostakovich, Prokofiev, Ravel, Sibelius, Stravinsky, Schoenberg, Kodaly, Janacek, Smetana, Holst, Elgar, Britten, Copland, Ives, Gershwin, Respighi, Villa-lobos, Messiaen, Stockhausen, Vivier, Carter …; y, entre los más contemporáneos, Sofia Gubaidulina, Boulez, Bernstein, Sollima, Bernd Franke, Iannis Xenakis, Minoru Miki, Grubinger, Caplet, Gideon Klein, Franz Krommer, Arensky, John Cage, John Zorn, Roland Moser, Rico Gubler, Othmar Schoeck, Keiko Abe, A. Koppel o John Williams y Piazzola. ¿Se puede pedir más?

"Desolado" (La vida moderna), PASTORA

Thu, 18 Jan 2007 05:07:16 GMT

No conocía a esta mujer ni su música, nunca había oído hablar de ella (ya habrán podido imaginar que mi mundo musical se mueve en esferas diferentes; pero de vez en cuando me dejo sorprender). Curiosamente, leyendo un blog de un amigo que anda ahora por las "bárbaras" tierras escocesas, me he encontrado de sopetón y sorpresivamente con un videoclip musical de esta artista, su canción "Desolado". Rescoldos "après la mélancolie": la desolación de la quimera para un Belerofonte que ose enfrentarse a la quimera a pesar de la desolación, mandato de un sí mismo como otro. Rescoldos, dulces rescoldos (las palabras de la infancia son tan importantes: los rescoldos de la lumbre en el invierno en casa de mi abuela y la fascinación de un niño por la luminosidad y el profundo simbolismo de aquella pequeña realidad cotidiana en las madrugadas de los fines de semana; un niño aterido y tumescente que contempla aquellos rescoldos, su hermosa y consumada desolación, con la seguridad de esperar el abrazo de aquella figura femenina y matriarcal; siempre llegaba tras el último rescoldo, siempre). Pasos desolados, mandatos extraños, rumbos solitarios, preguntas peregrinas, soledumbres paralelas, solipsismos mutuamente compartidos y negados, la piel sensible y receptiva de las palabras ...

Artista: Pastora. Álbum: La Vida Moderna. Canción: Desolado

Una vez, solamente una vez, ya lo ves
Y no fueron mis pies
Que fueron mis manos las que se enredaron una vez.
Solamente una vez
Y por más que lo pienso siempre noto el peso.
Volvería a caer, volvería a saber
Que aunque tú me pierdas
Yo siempre me encuentro contigo.
Cuando vienes vas, cuando vas no estás
Y yo vivo enganchá a los pasos que das.
Yo no quise correr, solamente una vez
Me mandaron los pies.

¿DÓNDE VAS TAN SOLO Y TAN TARDE?
QUE NO TE ACUERDAS DE NADIE
CUANDO VAS CERRAO, SOLITO POR LA CALLE?
¿DÓNDE VAS? ¿DÓNDE VAS?

Una vez, solamente una vez, ya lo ves
Una vez te perdí, una vez te seguí
Una vez, y dos, y tres
Una vez me enamoré del lado oscuro
De lo más chungo
Di tantas vueltas
Que perdí el rumbo.

¿DÓNDE VAS TAN SOLO Y TAN TARDE?
QUE NO TE ACUERDAS DE NADIE
CUANDO VAS CERRAO, SOLITO POR LA CALLE.
¿DÓNDE VAS?
¿DÓNDE VAS TAN SOLA Y TAN TARDE?
QUE OLVIDÉ LOS DETALLES
PORQUE VOY CERRÁ, SOLITA POR LA CALLE.

Solitos por la calle por la calle desidia
Que es dónde se pierden los niños que no van de excursión.

www.yatv.com/video/yatv2_video_v_46050_1.html - 46k -

"Canción para sentir", José Larralde.

Mon, 08 Jan 2007 01:20:57 GMT

      Canción para sentir

 Recitado:

Si nunca  fuiste parte de estas cosas,

si nunca derramaste una lágrima,

ni aun siquiera para adentro,

apúrate a sentir ... mañana, mañana es tarde.

 Cantado:

quién una vez no guardó para sí

un secreto de amor,

quién no cayó la palabra mejor

y en sus labios murió,

quién no imploró, ya quebrada su voz,

al silencio y adiós,

quién no pidió un poquito de amor;

quién no sintió la tristeza callada

del niño y la flor,

quién no buscó la ilusión esperada

de un mundo mejor,

quién no quedó con la paz postergada

al ver el dolor,

quién no escribió su poema de amor.

 Recitado:

"por un poco de amor, te di mi vida,

por un poco de fe, te di mi sueño,

no puedo darte más, aunque me empeño,

si hasta en tu misma piel

hay sangre mía"

Cantado:

quién no sintió la tristeza callada

del niño y la flor,

quién no buscó la ilusión esperada

de un mundo mejor,

quién no quedó con la paz postergada

al ver el dolor,

quién no escribió su poema de amor.

         José Larralde: “Canción para sentir”   AUTOR: Juan Carlos Zaraik Goulu - Rafael Poeta  ÁLBUM: De Hablarle a la Soledad (1976)

"Qué maneras más curiosas de recordar tiene uno" (2)

Sat, 30 Dec 2006 16:55:38 GMT

LA GOTA DE ROCÍO
La gota de rocío
del cielo se cayó
y en ella el amor mío
la carita se lavó.

Pero era tan temprano
que no salía el sol
y se helaron las manos
y mejillas de mi amor.

Creí que las estrellas
la iban a buscar
y que en su cara bella
se ponían a jugar

me dijo: tengo frío,
acércame calor
y fui con tanto brío
que encendí su corazón

y mientras la besaba
me dijo en un temblor:
esto es lo que faltaba
para que saliera el sol.

¡Oh, gota de rocío
no dejes de caer
para que el amor mío
siempre me quiera tener!
Silvio Rodríguez: «Tríptico», 1984.

Tierno, delicado, ingenuo, bello, hondo, cálido, dulce, deseable, cercano, undívago, amable, mágico, suave, sencillamente encantador. ¿Cabe pedir algo más?

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Llegué a la música de Silvio Rodríguez en 1993, recién cumplidos mis 20 años: el regalo de cumpleaños consistió en el concierto que Silvio y Aute interpretaron en las Ventas a finales de septiembre. Había oído hablar de la Nova Trova Cubana y del Grupo de Experimentación Sonora de La Habana de principios de los ’70, pero he de reconocer que hasta entonces no había mostrado el menor interés por su música. Aclaro: no tengo nada de revolucionario (es más, no se me oirá nunca un comentario condescendiente con la llamada revolución cubana y el internacionalismo del Ché, es conceptualmente imposible que me identifique con ellos ni con su contrario), tampoco de sentimentalista (la música de Silvio no lo es, pero se puede caer en cierto sentimentalismo cuando trata de interpretársela). Sin embargo, tal vez luchamos en la misma trinchera, por ello comparto con su obra una cierta comunidad de sensibilidades. Desde “Días y flores” hasta “Cita con ángeles” o “Érase una vez que se era” (el último doble CD con canciones inéditas de finales de los ’60 y principios de los ’70), muchas de sus canciones me han acompañado en la vida desde aquel septiembre de 1993: Adónde van, Al final de este viaje en la vida, Ala de colibrí, Ay de mí, Casiopea, Causas y azares, Cierta historia de amor, Cuando digo futuro, Debo, Déjame regresar, El día feliz que está llegando, El papalote, El necio, El problema, El viento eres tú, En estos días, Esta es la vida, Fusil contra fusil, Hace no sé qué tiempo ya, Hoy es la víspera de siempre, Juego que me regalo un seis de enero, La canción de la trova, La desilusión, La era está pariendo un corazón, La gaviota, La gota de rocío, La maza, La oveja negra, Madre, Mariposas, No aparezcas más sin avisar, Oh melancolía, Pedacito de papel al viento, Playa Girón, Quédate, Quién fuera, Quien tiene viejo el corazón, Rabo de nube, Si seco un llanto, Soltar todo y largarse, Sortilegio, Te doy una canción, Testamento, Tocando fondo, Totí, Unicornio, Vamos a andar, Y nada más, entre otras canciones, sólo por citar las que me vienen a la memoria en este momento. Le debo aquella primera iniciación a la música de Silvio a mi gran amiga Ana, mi familia, es una más de las cosas que compartimos.

Hace varios días escribí el primer “post” de esta serie: “Qué maneras más curiosas de recordar tiene uno”; expliqué las circunstancias que me habían llevado a hacerlo y, ahora, recuerdo otra canción de Silvio que quizá resuma aquella atmósfera: “Testamento” (1975), escrita poco antes de su marcha a la guerra de Angola: “Como la muerte anda en secreto / y no se sabe qué mañana,/ yo voy a hacer mi testamento, / a repartir lo que me falta / -pues lo que tuve ya está hecho, / ya está abrigado, ya está en casa-. / Yo voy a hacer testamento / para cerrar cuentas soñadas”. No se puede vivir haciendo testamento, pero en ocasiones es necesario cerrar cuentas soñadas para seguir adelante y no demorarse más en canciones imposibles, a lo que supe y no pudo ser más que imposible silencio, para no encadenarme a vagar una eterna madrugada, indescriptible como una vela inflamada en vientos de esperanza.

Valet!

"Qué maneras más curiosas de recordar tiene uno" (1)

Thu, 21 Dec 2006 05:05:08 GMT

Mariposas

Silvio Rodríguez (1972)
Hoy viene a ser como la cuarta vez que espero
desde que sé que no vendrás más nunca
he vuelto a ser aquel caudal del aguacero
que hizo casi legal su abrazo a tu cintura
y tú apareces por mi ventana
suave y pequeña, con alas blancas
yo ni respiro para que duermas
y no te vayas.

Qué maneras más curiosas
de recordar tiene uno.
Qué maneras más curiosas
Hoy recuerdo mariposas
que ayer sólo fueron humo
Mariposas, mariposas,
que emergieron de lo oscuro
bailarinas silenciosas.

Tu tiempo es ahora una mariposa
navecita blanca, delgada, nerviosa
Siglos atrás inundaron un segundo
debajo del cielo, encima del mundo

Así eras tú en aquella tarde, divertida
Así eras tú de furibunda compañera
Eras como esos días en que eres la vida
y todo lo que tocas se hace primavera
¡Ay mariposa!, tu eres el alma
de los guerreros que aman y cantan
y eres el nuevo ser que hoy se asoma
por mi garganta.

Qué maneras más curiosas
de recordar tiene uno.
Qué maneras más curiosas
Hoy recuerdo mariposas
que ayer sólo fueron humo
Mariposas, mariposas,
que emergieron de lo oscuro
bailarinas silenciosas.

Tu tiempo es ahora una mariposa
navecita blanca, delgada, nerviosa
Siglos atrás inundaron un segundo
debajo del cielo, encima del mundo
Cuenta Silvio: «Para la cultura náhuatl que crecía en el valle de México cuando llegaron los conquistadores (después no creció casi nada), las mariposas simbolizaban el alma de los guerreros que, habiendo caído en combate, regresaban a la tierra de esa forma colorida y hermosa para embellecer la vida de los hombres. En este caso el símbolo esta tomado en el sentido de la añoranza del recuerdo.»
Del CD “Mariposas” (1999). Vid. vídeo de Youtube, con Rey Guerra:
http://www.youtube.com/watch?v=_D13MseKAvY&mode=related&search=
Pedacito de papel al viento

A mis amigos
Marcos Huerta y Vicente Garrido,
en la eternidad
Pedacito de papel al viento,
es la mariposa bailadora.
Danza que te gira, embrujadora,
enjugando negros pensamientos.

Ido a sus colores tomo asiento,
fuera del espacio y de la hora.
Desde allí la vida se demora,
obra y gracia de su encantamiento.

Hacia el ocaso, ya hace mucho,
que yace en mi camisa oscura
su luz multicolor abierta.

Si hubo un dolor, ya no lo escucho.
Y en la fragante noche pura
Vuela la mariposa muerta.
octubre, 2002
Silvio: guitarras, voces, teclado
Del CD “Cita con ángeles” (2003)

Como dice la primera canción: “qué maneras más curiosas de recordar tiene uno”. He comentado en otra ocasión mi “mal de archivo”, que diría Derrida (mutatis mutandis). Hace unos días le tocaba el turno a los Cds grabados: la acumulación desordenada en los últimos años llegaba a un extremo de proporciones dantescas. Soy muy meticuloso para el orden de las cosas: todo tiene que estar correctamente señalado, en su lugar y con sus referencias precisas. No vayan a pensar que soy un neurótico obsesivo del orden, vengan a mi casa y vean mi “studium-bibliotheca”: papeles y libros que estoy usando en montañas sobre la mesa, en los estantes, en el suelo, en las mesitas supletorias; decenas de los últimos discos que escucho al lado de la cadena; el cenicero en un rincón, junto con varias latas de tabaco y diversas pipas, con sus accesorios adyacentes; varios vasos con el zumo apurándose de las tardes (por prescripción autofacultativa, en mi casa no entra alcohol, sólo bebo agua, café y zumo de naranja); los periódicos no leídos sobre una mesa-camilla y los juguetes de mis animales aquí y allá; esto sólo en el rincón de mi casa donde más habito: mi studium-bibliotheca (no se apuren, el resto de la casa está presentable). Ese caos de mi studium es muy relativo: todo está en su sitio, sé dónde están las cosas, sucede que todo lo que está siendo usado se amontona como puede; por ello, cada dos semanas me dedico a reordenar y despejar el ambiente. ¿Qué sucede con los cds de música? Como me conozco, la “discoteca” está en otro sitio: en el salón, en la primera planta de mi casa, donde se halla el ordenador, otra cadena musical y las novelas y poesía; por supuesto, la TV, DVD y demás parafernalia catódica están en mi dormitorio, apenas les dedico un par de horas a la semana o en tiempos de insomnio (es un remedio infalible: pongo la TV o veo una película y a los dos minutos estoy durmiendo a pierna suelta: ¿efecto de los rayos catódicos?). Los CDs originales, no copiados, están ordenados con exactitud: tipos de música, autores, etc., etc., es la única manera de encontrarlos: cuando quiero escuchar alguno en mi studium, me lo subo (aclaro: el studium está en la segunda planta del lugar que habito). El problema estaba en los CDs que he ido grabando o aquellas copias que me han regalado, prestado, cedido, etc., etc.: los he ido amontonando en unas cajas a lo largo de estos últimos años o en portacds de mano muy socorridos (bueno, eso me gustaría decir: varios de esos portacds de mano contienen más de doscientos y es casi inmanejable si no se guardan bien en su correspondiente funda), hecho que se ha ido agravando con varias mudanzas (en los últimos cinco años, siete, dos de ellas internacionales). Hace unos días quise poner orden a ese caos de discos amontonados en sus cajas con sus respectivas referencias temáticas. En una de aquellas cajas había una serie de CDs en cuya portada figuran los nombres de las personas que me los han regalado (o que he grabado para evocar determinados hechos significativos de mi vida) y un número romano ordinal contiguo si el nombre se repite, junto con la fecha. Ni corto ni perezoso me he dedicado varias tardes a escucharlos; por fortuna (a veces no tanta), mi memoria recuerda cada uno de los “tracks”, su pompa y circunstancia. El hecho de incluir en el comienzo de este “post” la canción de Silvio Rodríguez “Mariposas” tiene que ver con esto que estoy contando. Se hallaba junto a otras tres del mismo cantautor (“Ojalá”, “Mi unicornio azul” y “Te doy una canción”) en un CD de una serie variopinta y diversa que llevaba el mismo nombre y una fecha: enero de 2005, un regalo con temas de Roxette, Per Gessler, Savage Garden, Bumbury, Buixido, etc., etc.; un determinado panorama musical que, a excepción de Silvio y algunos discos de clásica (Gorecki) y ópera (Kiri Te Kanawa, Montserrat Caballé, Cecilia Bartoli) reflejaban la atmósfera estética y sentimental de quien me donó semejante presente. No voy a negar que hasta ahora no había osado el escucharlos de nuevo: tal atmósfera me resultaba demasiado dolorosa. “Qué maneras más curiosas de recordar tiene uno”. La memoria es un recipiente muy valioso: aquello que nos es más significativo va asociado a nuestros sentidos y una determinada percepción en un cierto instante puede dar rienda suelta a todo un mundo evocado. Un olor, una palabra, un “déjà vu”, una melodía, una voz, un gesto …, y la materia recobra vida asociada a una carga afectiva elaborada en el tiempo y transformadora. Y así es como ha vuelto a mi vida la canción “Mariposas” y su contrapunto: “Pedacito de papel al viento”, del penúltimo disco de Silvio (Cita con ángeles, 2003). Hasta aquí por hoy, el próximo día continúo. Valet!

"Im Abendrot" (Al ocaso)

Sat, 25 Nov 2006 20:13:06 GMT

“Im Abendrot” (Al ocaso).

“Wir sind durch Not und Freude

gegangen Hand in Hand,

vom Wandern ruhen wir [beide]

nun überm stillen Land.

Rings sich die Täler neigen,

es dunkelt schon die Luft,

Zwei Lerchen nur noch steigen

nachträumend in den Duft.

Tritt her und lass sie schwirren,

bald ist es Schlafenszeit,

dass wir uns nicht verirren

In dieser Einsamkeit.

O weiter, stiller Friede!

So tief im Abendrot,

wie sind wir wandermüde-

ist dies etwa der Tod?”

(Joseph von Eichendorf; música de Richard

Strauss: Vier letzte Lieder, Op. Posth., av 150).

(Con penas y alegrías

hemos caminado juntos mano a mano;

de este errar reposamos ahora,

sobre el campo silencioso.

A nuestro alrededor se inclinan los valles,

se oscurece ya el aire;

sólo dos alondras alzan todavía el vuelo,

soñando de nuevo en la brisa perfumada.

Acércate y déjalas trinar,

pronto será el tiempo de dormir,

que no nos extraviemos

en esta soledad.

¡Oh paz, inmensa y silenciosa!

¡Tan honda al ocaso!

Cuán cansados estamos de caminar,

¿será eso, acaso, la muerte?)

Hay piezas musicales que marcan con su significatividad algunos momentos intensos y preciosos. El lied para soprano y orquesta “Im Abendrot”, de los Vier letzte Lieder de Richard Strauss es una de esas obras. La atmósfera musical de este lied puso melodía durante un tiempo a un sentimiento evocador tras lo vivido durante el Carnaval de este año. Dos hombres se encuentran, se atraen y deciden conocerse y pasar juntos unos días, intensamente, aun sabiendo que no habría un futuro posible más allá, que no podría haberlo, no sólo por las circunstancias, quizás también porque así fuera necesario. Cuando algo es vivido desde su inicio como un ocaso, la propia finitud nos empuja a una experiencia profundamente apasionada, a modo de un instante robado a una eternidad extática inaccesible; eros y thánatos pueden sacar de nosotros mismos lo mejor en ciertas ocasiones, aun a riesgo de pagar un precio emocional posterior, cuando todo ha terminado ya. Vivir algo desde su ocaso significa, en esta situación, reconocer que los hechos, lo iniciado en ellos, están clausurados, no existe posibilidad de vectores de continuidad. Toda su emotividad, los deseos y anhelos que la envuelven, su conmoción se agota en sí misma, en la temporalidad cerrada de un idilio pasajero irrepetible, confinado a los terrenos de la evocación y su fluir, cuya atmósfera musical el lied “Im Abendrot” supo pulsar en el aguijón clavado entre la ensoñación y la realidad, en pleno centro de lo evocado; eros melancólico, pues. He tardado tiempo en percatarme de que mis experiencias afectivas y sexuales durante un período que discurre entre abril de 2005 y agosto de 2006 no han sido otra cosa que lo que he dado en llamar los duelos de la melancolía: la búsqueda de un otro perdido, en otros diferentes (una pequeña colección de amantes con quienes apagar una sed insatisfecha) y la huida de sus fantasmas en un patético intento frustrado por desligarse de un vínculo escindido y supuestamente unilateral. La incógnita de aquella ecuación temporal era precisamente aquel otro y, ahora, despejada la incógnita y sus variables, nos resulta inaccesible, inabordable. La realidad siempre nos expolia de algo. Nos queda la dignidad de afrontar este expolio con entereza, es preciso que así sea.

Tras aquel Carnaval volvió a cruzarse en mi vida Richard Strauss con su “Im Abendrot”. Fue de un modo ocasional, como sólo la casualidad sabe renunciar a su azar cuando interviene la memoria personal al asociar un nombre a una experiencia posible. Se trató del hallazgo de un CD de la soprano Elisabeth Schwarzkopf que incluía su segunda grabación de los Vier letzte Lieder (en 1965) y los Orchesterlieder de R. Strauss (grabados en 1965 y 1968) con Georges Szell al frente de la London Symphony Orchestra; se añadía un DVD del catálogo de EMI Classics con la representación del final del acto I de Der Rosenkavalier filmado en Londres en 1961, una pequeña joya operística en la cual puede verse a la Schwarzkopf, en la plenitud de su carrera, interpretando uno de sus mejores papeles: la Marschallin de El Caballero de la Rosa, inolvidable, como también lo han sido sus mozartianas Doña Elvira, Fiordiligi y la Condesa, o la Alice Ford del Falfstaff de Verdi, entre otras. En cuanto a los cuatro últimos lieder del compositor, tenía en casa la primera grabación de la soprano con Karajan en 1956: en ella me parecía que Schwarzkopf estaba excesivamente lírico-ligera, falta de consistencia y hondura. Las canciones de R. Strauss para soprano precisan del volumen, la flexibilidad y la maleabilidad del color de un voz de soprano ligera; se trata de lieder muy expansivos, lograr el equilibrio entre la sutil acentuación, resalte y color de las palabras, por una parte, y, por otra, el sentido y vuelo de la frase, junto con el impulso de toda la melodía, no es fácil; la extensión global de las notas, por ejemplo, es amplia, desde el Re3 en los grabes hasta el La/Sib4 en los agudos. La segunda grabación de Lucia Popp, con Michael Tilson Thomas, en 1993 (seis meses antes de la muerte de la soprano) creía que era, para mi gusto, la única que lo había conseguido verdaderamente hasta que llegué a escuchar el CD que adquirí a comienzos de este marzo pasado; su audición me colma de una serena y lúcida emotividad, de una contenida melancolía.

En septiembre de 1945, un Richard Strauss ya octogenario y su mujer Pauline (su compañera de una vida) pudieron abandonar su villa de Garmisch con destino a Suiza, donde pasaron (con permisos de residencia temporales) los últimos años de vida del compositor. Sometido a un proceso de desnazificación que mantenía sus derechos de autor retenidos, dejaban atrás el hogar, la familia y una Alemania arrasada en ruinas. A este clima de final de una vida hay que añadir el hecho de saberse el último exponente musical de un mundo y de un esplendoroso post-romanticismo que se resistió a la extinción agonizando durante décadas, con sus formas musicales y sensibilidades poéticas (lo confieso, me fascinan los post-ismos). Así fue como, en esta atmósfera vital, llegó a manos de R. Strauss el poema de Joseph von Eichendorf “Im Abendrot”, por el que se sintió hondamente conmovido. Aunque ocupa el último lugar de la edición de los Vier letzte Lieder de Boosey and Hawkes de 1950, su composición, tras varios años de inactividad, fue la primera del ciclo, esbozada durante el invierno de 1946-47 y finalizada el 6 de mayo de 1948. Más tarde decidió poner música a tres poemas de Herman Hesse: acabó “Frühling” (Primavera) en julio de 1948, “Bein Schlafengehen” (Al irse a dormir) en agosto y “September” en septiembre del mismo año. R. Strauss se despedía con un luminoso y expansivo canto de alabanza a la belleza de la naturaleza y de la música, un resumen existencial y musical de una larga vida artística que se presenta conclusivo, de una melancolía suave, contenida y, a veces, radiante; todo ello con una temática que gira en torno a las ideas de la muerte, lo onírico y la extinción de la conciencia. Finalmente, en otro orden de cosas, el músico fue rehabilitado por un tribunal de desnazificación en julio de 1948 y, en mayo de 1949, regresará a su hogar en Garmisch, donde moriría meses más tarde. Su editor inglés Ernst Roth publicó juntas las cuatro canciones con el título del ciclo que conocemos y su orden habitual de interpretación, cuyo estreno tuvo lugar el 22 de mayo de 1950 en el Royal Albert Hall de Londres: la gran soprano wagneriana Kirsten Flagstad (al parecer según los deseos del autor) junto con el director Wilhem Furtwängler al frente de la Philharmonia Orchestra se encargaron del evento. Desde entonces, este ciclo de lieder se ha convertido en uno de los más afamados del s. XX.

No soy partidario de desentrañar musicalmente el lied “Im Abendrot” ni de comentar el texto y su increíble integración con la música de R. Strauss, así como las diversas interpretaciones. Baste con invitar a escuchar esta música y sumergirse en su universo expresivo, acompañados por las voces de las citadas Schwarzkopf y Lucia Popp, o Kiri Te Kanawa en su grabación de 1990 con Solti.

Valet!